domingo, 22 de marzo de 2015

Lollapalooza 2015 Dia 1 - Jack White + 10

            Uno de los grandes problemas de los mega festivales es que puede suceder que haya artistas que uno quiera ver sí o sí y toquen a horas insólitas. Como el caso de St. Vincent para esta primera fecha del Lollapalooza 2015. Espero que quienes hayan podido verla la hayan tratado lo suficientemente bien como para tentarla a volver, porque yo no llegué. Al margen del horario, el hipódromo de San Isidro queda lejos y trasmano y para los que trabajamos medio día, nos resulta imposible llegar a tiempo para esos primeros sets. Pésima elección de zona para un festival. Y seguro que alguien de Zona Norte que lea esto estará pensando “pero nosotros siempre tenemos que viajar, era hora que por una vez los porteños muevan el culo”. Y yo digo: no. Cada uno se mueve acorde a su hábitat y costumbres, y no le pidamos al chancho que migre. Para eso Dios (!) creó a las golondrinas  y a los de Zona Norte.
            Bien, como había previsto según mis cálculos, llegué para el final de Interpol. La verdad es que con ellos tenía una mala experiencia, y del show gratuito que dieron en Puerto Madero me fui media hora antes completamente hastiado. Pero mientras buscaba lugar para tirarme un ratito en el pasto después de los dos millones de kilómetros que hay que atravesar dentro del hipódromo si se entra por Santa Fe para llegar a la zona de los escenarios, “Slow hands” sonó como la mejor bienvenida. Y para entonces ya estaba en clima.
            Se supone que una de las gracias de estos festivales es pasear de escenario en escenario y escuchar un poquito de cada cosa. Pues bien, yo en esto soy muy conservador, así que elegí lo que iba a ver y me abstraje de lo que sucedía a mi alrededor. Y para la hora en que yo llegué, todo se repartía entre los escenarios 1 y 2.  Al término de Interpol, llegaba The Kooks, luego Foster The People, y finalmente Robert Plant y Jack White como plato fuerte.
            Con respecto a las dos primeras bandas me pasó algo extraño: si bien ninguna de las dos me impresiona demasiado, esperaba menos de The Kooks, y algo más de Foster The People. Tal vez un hueco hipster en mi espíritu, no sé. Y resultó al revés. Porque si The Kooks que arrancó medio demagogo, prolijo y no mucho más, a la altura del tercer tema sonaban de primera y derrochaban energía. “It was London” y “Bad habit” resultaron un dueto fantástico. Aunque la gente coreó “Seaside” junto a Luke Pritchard, a mí esa versión de la banda me resulta menor. Lo mismo cuando se pretenden una banda de power pop. Sin embargo cuando se ponen más bailables es en donde se vuelven más interesantes, como en el caso de “Forgive & forget”. Eso sí, cuando los tipos tocan un hit irresistible como “Junk of the heart (happy)”, uno comprende que solo por haber hecho eso se merecen todo lo bueno que les pase.
            Para el caso de Foster The People, mi expectativa estaba puesta en una experiencia algo más psicodélica, que nunca sucedió. Es cierto que esa característica en ellos aparece en cuenta gotas, pero mi mente imaginó que el vivo le podría abrir más espacio a esa veta de la banda. Pero no sucedió. Y si bien parte de la decepción pueda deberse a mis expectativas equivocadas, lo cierto es que los tipos me resultaron una heladera. Si el viento del sur había traído de prepo al otoño disfrazado de invierno la noche anterior, Foster The People se encargó de consolidar el reinado del frio. No es que los temas estén del todo mal, hay cositas interesantes, pero a mí no me generaron absolutamente nada. Paradójicamente cuando sí se pusieron a tono a final del set, especialmente a partir de “Call it what you want”, la gente se les empezó a ir y repartir entre los dos escenarios linderos, esperando los sets de Cypress Hill por un lado, y Robert Plant por el otro. “Pumped up kicks” por supuesto fue la mejor manera hitera de empezar a despedirse, cosa que sucedió definitivamente con la guitarrera “Don’t stop (color on the walls)”.
            A Robert Plant lo había visto en el Luna Park en 2012 y considerando la ausencia de nuevo material y la consolidación de los Sensational Space Shifters como banda de apoyo, no esperaba nada nuevo. Simplemente la felicidad de estar frente a frente ante uno de los máximos próceres del rock. Sin embargo Plant me sorprendió. De aquel show de 2012 extrajo los momentos más bluseros y rockeros, dejó de lado los temas más étnicos, acomodó el setlist al contexto de festival y privilegió los clásicos. Y literalmente, la rompió. Le costó algo engranar con la voz durante el “Baby, I’m gonna leave you” con el que abrió (notable y lucida intro en acústica a cargo del barbado Liam Tyson), y después fue tomando temperatura. “Tin pan valley” y “Rainbow” le abrieron paso a “Black dog” y su riff bluseado, que le encuentra una vuelta de tuerca fantástica al clásico. En el medio aparecieron las intervenciones de Juldeh Camara y su violín africano de una cuerda, que construye pasajes de auténtico trance en medio de las canciones. “Going to California” y “Ramble on”, cada una en su clima, son los temas que Plant toca lo más fiel posible a las originales de Zeppelin, y en momentos como el “Spoonful” de Willie Dixon o “Fixin’ to die” de Bukka White (lucimiento a cargo del otro violero, Justin Adams), la banda saca lo mejor de sí. Los samplers y efectos disparados  John Baggot (frecuente colaborador tanto de Massive Attack como de Portishead) son los que le aportan al grupo los sonidos más modernos. El cierre fue con “Whole lotta love” en mix con “Who do you love”. Contradiciendo el correcto comportamiento en los festivales que aconsejan la ausencia de bises, Plant volvió al escenario para hacer “Rock and roll” cuando la gente ya se acomodaba para ver a Jack White.
            La gente no se había terminado de pasar del frente de un escenario a otro cuando la banda de Jack White ya había salido al escenario y arrancado con “Just one drink”. Y fue un anticipo perfecto: todo fue así. Urgente, sin pausa, adrenalina al máximo sin descanso. Que Jack White haya repartido el set entre todas las etapas de su carrera es lo de menos. Que haya pasado por The Raconteurs con “Broken boy soldier”, por White Stripes con “Dead leaves and the dirty ground”, y hasta haya metido un cover de Gene Vincent como “Baby blue”, nada de eso fue lo trascendental. El tipo es un compilado perfecto de la música norteamericana. Un manual abierto del folk, del country, del blues rural, del blues en general y por supuesto del rock and roll. Sabe todo, porque antes de músico es un gran melómano y aplica todo ese conocimiento a sus temas y a su concreción en vivo. Es un concierto por momentos cocainómano, porque hasta para hablar con el público Jack parece apresurado. Como si la misión fuese liberarse de una sobrecarga de energía a lo largo de la hora y media de show. Con una banda extraordinaria a la que dirige con gestos y órdenes al oído. A la que la muerte de Isaiah Owens no la afectó, y en la que se destacan el baterista Daru Jones, y la violinista y cantante Lillie Mae Rische.
            Cuando suceden momento con el concierto de anoche es casi imposible transmitir las sensaciones con palabras. Ver a Jack White en vivo fue como gritar setecientas veces en dos horas el gol de Pisculichi a los bosteros. Un éxtasis total, pero que además está lleno de música y condimentos que hacen que el tipo sea una bendición y lo mejor que le pasó al rock en el siglo XXI. Ese rock que han dado por muerto tantas veces y que gracias a Jack White se ganó cien años más de vida. “Lazaretto” es un disco del carajo y en vivo suena aún mejor. Y los muchos temas de White Stripes que tocó, se muestran más vitales y expansivos cuando abandonan el minimalismo original, como “We’re going to be friends” o “Ball and biscuit” (ya en la segunda parte de show).  Cuando Jack White cierra la primera parte del set con “Power of my love” de Elvis Presley, representa de manera perfecta al pasado y presente del rock al mismo tiempo.
            Si en todo ese primer tramo el concierto había hecho méritos para ganarse el adjetivo de descomunal, el cierre fue todavía mejor. Primero la sorpresa, el riff de “The lemon song” y la presencia de Robert Plant sobre el escenario, algo que yo había soñado pero que como no se había dado en Chile, creí que jamás se concretaría. Y la cita al “Killing flor” de Howlin’ Wolf, que en voz de Plant y en medio de ese tema, es casi una confesión de parte. Sin duda a la hora del racconto será EL momento de esta edición del Lollapalooza argentino. “Steady and she goes” y “Little bird” prepararon el terreno para la apoteosis que significó el final definitivo con “Seven nation army”. Lo único que podrá superar a Jack White será el mismo Jack White. Inolvidable, a la altura de los mejores conciertos que vi en mi vida.  
            Para el cierre de la jornada quedaba todavía a Calvin Harris, pero después del despliegue valvular de Jack White, resultaba una herejía. Me volvían a la cabeza los prejuicios y aquello del “trabajo honesto” del que hablaba Pappo. Así que aproveché para huir, además por aquello de las distancias, y que en horario nocturno se podía duplicar el trastorno. Sin embargo un colectivo al que ni siquiera le vi el número pero que decía “Puente Saavedra” me sacó rápidamente de allí; sumado a que en General Paz me esperaba con el motor encendido el único 133 que queda con vida, convirtieron al regreso en un trámite.  Lla sucesión de hechos fortuitos me permitió que una media de la mañana haya estado en Flores devorando unas porciones de pizza con la misma voracidad con la que Jack White toca su guitarra.






sábado, 7 de marzo de 2015

Marco Sanguinetti plays Radiohead - Bebop Jazz Club

            Recién al empezar a escribir me di cuenta de que este era el primer post de 2015. Raro, porque por lo general a esta altura  del año ya tuve un par de conciertos vistos dignos de comentar acá. En realidad, ahora que lo pienso, lo que no hubo fueron posteos, porque durante enero la vida me permitió conocer algunas ciudades europeas y la música en muchos casos funcionó como guía turística. Pero además me pude dar el lujo de ver a Vincent Delerm actuar en el Olympia de Paris. Y si bien por estar mente y cuerpo de vacaciones no lo comenté, no lo puedo dejar de citar por dos motivos. El primero para darles un poco de envidia (que asumo será de la sana), pero el segundo y principal es porque aquella noche Delerm, quien se caracteriza por su arreglos prolijos y a veces hasta orquestales en su manera de abordar la chanson, tocó solo con su piano. Y el piano es el protagonista principal de este post.
            Mas allá de algún comentario previo ocasional y muy por arriba, a Marco Sanguinetti lo conocí cuando tocó con su cuarteto teloneando a The Bad Plus en La Usina del Arte. Recuerdo que de aquella noche me quedaron algunas ideas grabadas asociadas a su música: impronta porteña como hilo conductor ante la integración de estilos, y la música como incidencia en el andar cotidiano, a tal punto que lo relacioné con el cine.
            En este caso la propuesta no dejaba lugar a dudas: Sanguinetti Plays Radiohead. Pero lo que yo sí tenía era la inquietud de cómo sería abordarda la música de Yorke y los suyos. Porque a la hora de adentrarse en las estructuras de las canciones de Radiohead, para desarmarlas y reinventarlas, los caminos se pueden cruzar con varios escollos. Hay antecedendes en todos los estilos. En el jazz, Brad Mehldau desde ya, y también los Bad Plus hicieron “Karma Police”. Chistopher O'Riley hizo lo propio desde una óptica clásica hace más de diez años. Incluso hay una versión dub y reggae de “OK Computer”. Pero si había algo valioso en la apuesta de Sanguinetti era agregar un desafío extra: que cada disco de Radiohead tenga por lo menos un tema durante el concierto. Y para quien conozca la discografía de la banda sabrá perfectamente de lo inquieto e impredecible de los caminos transitados por Radiohead a lo largo de su historia, y que este recorrido  sinuoso impide aproximarse a todos los trabajos desde el mismo ángulo de una mirada musical. Acotación extra para cerrar la larga introducción: el Bebop Jazz Club es ideal para este show. No solo por su comodidad y estilo, y porque el jazz tocado en sótanos siempre tiene un plus místico, sino porque además, si hay una versión de Radiohead que más me sorprendió y siempre recuerdo, fueron aquellos videos de “In rainbows” grabados para “From the basement” que los mostraban ensimismados, creando un mundo musical aparte en aquella abstracción.
            Una vez ubicados sobre el escenario Ezequiel “chino” Piazza en la batería, DJ Migma frente a sus bandejas, y Sanguinetti en su piano, el único elemento que decora la presencia de los músicos es la tapa del vinilo de “OK Computer” sobre un atril. Un detalle escenográfico que no es menor, sino una pista. Porque serán esas tapas de cartón intercambiadas tema por tema los únicos indicios que Sanguinetti nos dará sobre cada versión. Eso, y el “preparen sus airbags”, que aconsejaba el flyer en la web, y que nos sumergiría en el concierto. La noche en definitiva no solo se trataba de la música reinventada de Radiohead, sino también del encuentro y desafío entre una cofradía de fans.
            Acumular palabras para describir lo que sucedió con cada canción interpretada anoche resultaría un sinsentido, así que voy a limitarme a contar sensaciones y de cómo me transportó y a qué me remitió cada momento musical. En “Black star” el motivo se repite hasta alzarse en un clima que decaerá hasta recuperar su original calidez. En “I might be wrong” aparece uno de los momentos más jazzeros y emparentado (en especial por el tempo rockero de la percusión) con The Bad Plus. El “Everything in it's right place” de “Kid A” se vuelve chacarera, aunque el 6/8 no alcance para explicar absolutamente nada de lo que escuchamos. Sanguinetti habla de destruir temas, sin embargo no es esa la sensación que llega a mis oídos. Los loops y fraseos siguen sosteniendo las versiones, y el carácter ya de por sí expansivo de la música transita carriles paralelos sin abandonar nunca su guía original. Y a veces sorprende, como en “Creep”, cuando la melodía confesional se consagra en un estribillo digno de una balada de Chopin.
            Hacer versiones instrumentales de canciones que originalmente tienen letra puede desatar varias consecuencias. En algunos casos la melodía despojada puede brillar por cuenta propia y revelar detalles que las palabras opacaban. Pero otras veces, como en la mayoría de los casos de las versiones de Radiohead de Sanguinetti, los patrones obsesivos, paranoicos y enclaustrados permanecen vigentes aún despojados de la letra. Y aunque con esto no quiere desmerecer un ápice al intérprete de anoche, está claro que la virtud está en la cohesión de las creaciones originales.
            La continuidad muestra a “Kid A” con “The national anthem” y un despliegue percusivo extraordinario. Y luego la intimidad de “Motion picture soundtrack” en la que Marco Sanguinetti se aboca con su pequeño armonio. Si bien el aporte de DJ Migma es digno de valorar a lo largo de todo el concierto (cuéntenle a Pappo lo que puede hacer un DJ, desafía Sanguinetti en un momento), por lógica iba a tener su momento más destacado en “King of Limbs”, citado con “Little by little”, luego del tenue pasaje por “In rainbows” con "Nude".  Y a la hora en que el concierto ya había pasado bastante más de la mitad, uno se da cuenta que la propuesta se trata tanto de un abordaje y desafío artístico como de un homenaje. Un gusto personal ahondado por la fascinación con la música de la banda de Abigdon, en el marco de un descubrimiento personal y permanente. Por ese motivo Sanguinetti rescata el valor de “Hail to the thief”, colocándolo entre sus discos preferidos, cuando la crítica (y buena parte del público)  lo ha destinado a la categoría de un disco menor dentro de la discografía de la banda, a la hora de versionar “Scatterbrain”
            Para el final se rompieron todos los misterios (si es que para alguno todavía los había) y entonces el  “Idioteque” que cerró el concierto fue el único tema en ser anunciado por su nombre. Aunque a decir verdad quedó un bis también anunciado, que a pedido del público,  quedó a cargo de la expansiva “Paranoid android”, tema que forma parte de la discografía de Sanguinetti a partir de su presencia en su disco “El otro” de 2011. 

            Mientras Marco Sanguinetti se prepara para regresar a los escenarios con su propia música, quedan dos fechas más para esta más que recomendable propuesta, así que queda hecha la recomendación. Una ideal manera de acompañar la transformación de la noche del viernes en la madrugada del sábado, con una copa de vino en la mano, y una música maravillosa  reinterpretada de la mejor manera. Porque aquel “the sound of the brave new world” del tema de Talking Heads que sirvió para bautizar a la banda homenajeada, anoche se mostró más vigente que nunca.




sábado, 29 de noviembre de 2014

Audia Valdez en Pan y Arte

Si una película resulta una sucesión de fotogramas, recortar cada uno de ellos bien podría significar la capacidad de detener el tiempo. De abstraer. De abstraerse. De mirar y mirarse escapándose de un destino que si uno permite rodar la película no tendrá posibilidad de modificar. Fotogramas, así se llama el disco que Eloisa Lopez plasmó bajo el nombre de Audia Valdez (retomando la identidad de sus comienzos, pero básicamente unificando todos sus proyectos bajo el mismo nombre) y que editó Twitin Records, el novel sello de Tweety Gonzalez. Y como dentro de los muchos y buenos trabajos que se editaron este año en Argentina, “Fotogramas” está entre los que más me gustaron, presenciar su concreción en vivo era un hecho que me debía. Y después de unas semanas de abandono para con las salas de música, no pudo ser mejor forma de retorno.
Pan y Arte en Boedo no suele ser una sala que albergue shows musicales, y aunque la propuesta excedía el concepto musical (el flyer prometía performance audiovisual), lo inusual del espacio le daba un condimento extra a la noche. Y cuando, después de una prolongada previa (la culpa es mía por mi pertinaz y exagerada puntualidad) con ricas empanadas y un dificultoso vino caliente, el show comenzó, esa sensación inicial acerca de la sala, quedó confirmada.
El disco de Audia Valdez tiene muchísimos condimentos interesantes, pero lo que sospecho a mí más me sedujo fue que está cubierto por un manto spinetteano. Y aunque incluya un tema dedicado al Flaco (“Tema para Luis”) esta idea excede ese hecho. Hay palabras, conexiones, mantras, pulsos que a mí me remiten, por ejemplo, a “Madre en Años luz” en cuerpo y espíritu. Escuchar canciones como “Gracias” o “Como brilla” tal vez ayuden para comprender esta impresión. Pero luego de varias escuchas uno comprende que si bien esa impronta se trata de una fuerza inspiradora omnipresente, para Audia Valdez no ese un fin en si mismo, sino la plataforma de lanzamiento de sus propias formas, sonidos, luces e incluso dilemas. Y si hablamos de puntos de partida expansivos, que el show (Un sueño en el que no tenemos nombres, según anticipó Eloisa antes de sumergirnos en la música) haya abierto con “Espiral” no resultó casual.
En “Otras vidas”, el cover de María Gabriela Epumer incluído en “Fotogramas”, hacia el final se repite con insistencia “Esto es un sortilegio para irme del pensamiento”. Eloisa Lopez se apropia de esas palabras y concreta su propio sortilegio en un viaje musical y visual que intenta hurgar, introducirse en el ser, recorrerlo en una especie de autoreconocimiento y luego exponerlo al mundo. Un mundo que es retratado bajo la tensión de lo frío e insensible frente a una naturaleza que se resiste a la renuncia y halla espacios para emerger siempre. “Belleza inmaterial”, “Seres benditos”, “Tu y yo” se suceden en un show que mostró a una banda sonando perfecta y expandiéndose más allá de los límites que las canciones exhiben en el disco. O los discos, mejor dicho. Porque “Por un paisaje”, el disco de 2009 editado como Eloisa Lopez también estuvo muy presente en el setlist.
Algo que no puedo dejar de lado es la cuestión de la iluminación y los colores. El comienzo del show se dió bajo tonos rojizos, tal cual el arte de tapa de “Fotogramas”. Pero con el correr del show irán cambiando. Por momentos Eloisa se va a adelantar, y la banda quedará tocando detrás de las proyecciones. Apareceran el azul, el blanco y el amarillo (imposible no pensar en Greenaway) y la música, sumada las imágenes y luego a la danza, compondrán un escenario en donde las tensiones de la existencia convivirán con viajes místicos, y aquel espiral pareciera convertirse en círculo cuando la voz de Eloisa reune a los extremos de la vida encarnados en el encuentro de una anciana y una joven. Robots humanos, frivolidad, coreografías inquietantes que transitan por expresiones tribales, autómatas y sexuales nos introducen en un espectáculo integral cuya coherencia no produce otra cosa que la expansión de todos los sentidos.
El telón delantero se descorre y Eloisa Lopez vuelve con sus compañeros de banda para la bella “Superheroes”, cuyos motivos folklóricos originales se oyeron acotados por una interpretación mucho más contenida, y con el teclado casi como único protagonista. Luego “Un día exacto” la canción del disco que mejor resume el concepto de “Fotogramas”. Las imágenes se siguieron proyectando por encima de la banda, y los pelos largos y lacios del bajista Martín Rodriguez con los colores desfigurándolo remitían casi graciosamente al iniciático Pink Floyd del UFO.
El cierre del concierto terminó por redondear el carácter integral de la performance. La magnífica “Dos mentes”, que abriendo el disco sirve como introducción al concepto del álbum, en el show construye la mejor expresión de las tensiones expuestas a lo largo de la noche. Las luchas internas, las propias inseguridades, la búsqueda permanente de una identidad atrapada dentro de otra. Y “Evolución” (de reconocibles huellas árabes en sus sonidos) pareciera querer esbozar una respuesta probable y optimista a las disyuntivas expuestas: el retorno a la escencia, a lo profundo, al reencuentro con uno mismo. Espiral o círculo. Desandar o completar un recorrido. En ambos casos se regresará inevitablemente al punto de partida.
No estaban programados bises, así que cumplir con el pedido del público significó un breve debate sobre qué tema repetir, que incluyó consulta a Tweety Gonzalez en la platea. Y la decisión recayó sobre “Belleza inmaterial”. Y mientras volvía a escuchar esa sugerencia a respirar hondo y elevarse por encima de lo abstracto e intangible, internamente algo me indicaba que a veces el universo encaja las piezas con la precisión de un rompecabezas. Cualquier otra elección hubiese significado retomar tensión e incertidumbre, y en cambio la repetida canción consiguió sostener un equilibrio que ni los ruidos de la calle pudieron quebrar.
La propuesta integral de Audia Valdez establece parámetros muy altos de pretensión y no defrauda. Y aunque la ambiciosa puesta no sea sencilla de repetir, está el disco que bien podría resultar un fotograma de ese todo al que quedamos expuestos anoche. Así que ya saben: si pasan por cualquier disquería y hurgando bateas se topan con una chica corriendo como la Lola de Tom Tywker, no la dejen escapar. Yo sé por qué se los digo.




viernes, 17 de octubre de 2014

Vapors of Morphine en el Teatro ND Ateneo

En el año 2004 se publicó un boxset en el que Dana Colley y Billy Conway se tomaron el trabajo de compilar varias de las obras que Mark Sandman había dejado, al margen de Morphine. Entre tantas canciones hay una llamada “Tomorrow” en la que Sandman canta “Mañana es hoy, nunca va a desaparecer. Hoy, mañana es aquí. Lo que suceda a continuación nunca ha sido tan claro”. Y como un mantra, fue la fuerza de esos versos en la voz grave de Sandman recreada por una mente que parecía adelantarse al concierto, la que me sirvió para introducirme en el espíritu de la noche que Vapors of Morphine llegó a proponernos a los porteños. Porque lo que sucedió a continuación nunca estuvo más claro: la obra pasada de un talento que parece llegada desde el futuro, y que se consuma en tiempo presente, consagrada por sus ex compañeros y por un Jeremy Lyons, que arrastrado por la fuerza devastadora de Katrina, llegó para completar el trío y poner en movimiento esa música que nos acompañó a lo largo de buena parte de la década del '90. Mañana nunca desaparece, siempre hay futuro. Prepotencia. Optimismo. Trascendencia. Morphine.
La noche abrió con un suave “Like swimming” mientras el telón aún no se había levantado del todo. Tranquilo, con una improvisación jazzera al comienzo en la versión más amena de la banda. Y enseguida “If” y su cadencia blusera. Pero no fue hasta que Jeremy Lyons se calzó el bajo de dos cuerdas y largaron con “Other side”, que la gente reaccionó ante el sonido que había ido a buscar. Allí sí el saxo (procesado por un amplificador de guitarras) de Dana Colley se enciende, Lyons ocupa con soltura el lugar de Sandman (refiriéndolo, citándolo, nunca imitándolo), y Jerome Deupree.....bueno, él toca en su propio universo. Si bien está sobre la tarima mirando y escuchando a sus compañeros pareciera conectarse de forma telepática. Y sencillamente, la rompe.
El proyecto alguna vez llevó el nombre de The Ever Expanding Elastic Waste Band y ya había pasado por el mismo teatro en 2011 bajo el nombre de Members of Morphine and Jeremy Lyons (con Billy Conway en segunda batería también como miembro). Sin embargo este Vapors of Morphine tal vez sea el nombre que mejor defina al proyecto. Remite a vestigios, estelas; señales de que hay algo que aún mantiene vivas a esas canciones. Como si lo único que nos separara de Sandman fuera una bruma espesa detras de la cual se esconde la energía magnética de Mark. Pero también la idea de reminiscencia abre la posibilidad a nuevos caminos. Entonces, en esa sucesión de canciones inolvidables como “Have a lucky day”, “Sheila”, “Eleven o'clock” o “Head with wings” aparecen pequeñas jams, improvisaciones contenidas que construyen pasajes hipnóticos, psicodélicos, de tintes bluseros que llegan desde el delta del Mississipi, pero también del oeste africano. Y es durante esos tramos que Vapors of Morphine encuentra su propia originalidad. Como en “Different”, una canción densa en la que el saxo pareciera citar contenido a los Beatles de “Whitin you, whitout you”.
En medio sucedieron un par de cosas insólitas: gente que llegaba media hora tarde (además de la otra media hora de retraso en el comienzo del recital) y preguntaba si hacía mucho que había empezado. Unos cuántos culos inquietos que se levantaban a buscar papitas al buffet, o al baño o vaya a saber qué carajo. Mi celular se quedó sin señal justo después de un SMS que decía “Penal para Libertad, se cortó la luz”, situación que colocó a mi Yo Riverplatense en estado de desesperación. Y para coronar, un señor de la fila de adelante que nos pidió a los de atrás que no sigamos el ritmo con los pies porque le producíamos vibración en su asiento (??). Estuve a punto de un “acting” simulando un Parkinson y reclamando por discriminación, pero decidí ignorarlo. En medio de tanto despropósito, que alguien le haya gritado un saludo de cumpleaños a destiempo a Dana Colley, casi que resultó natural y lógico.
Mientras tanto la banda seguía tocando. Improvisando pinceladas calmas y cautivantes, con pasajes más rítmicos y vibrantes. “Honey white”, “All wrong” fueron lo más destacado en ese sentido. Y luego de “I'm free now”, llegó otra jam con espíritu anclado en el delta, y una sorpresa: “de los Redonditos de Ricota, Sergio Dawi” anunció Dana en el mejor español que le salió a esa hora. Y juntos cerraron el concierto con “Cure for pain”, con el público de pie cantando por la cura para un dolor que a esa hora resultaba improbable, y que de existir en algún sitio recóndito, la música lo había vuelto placentero.
El regreso fue rápido (show en Motevideo un día antes y otro en Córdoba un día después, casi que no había que perder el micro) y aprovechando el calendario, abrieron los bises con “Thursday”. Por un instante me pregunté cuán mal le abrá caido esa historia de affaire y amenazas al señor correcto de la fila de adelante; su pareja bailando de pie a su lado e ignorándolo, me dio la respuesta. Y si algo faltaba para coronar la noche, “The night”, con la que casi que nos podrían haber mandado a casa a buscar en sueños la continuación que sus “bedtime stories” nos inspiraban. Pero volvió Dawi y con “Buena” el tono letárgico se perdió por completo. Dana Colley le cedió generoso a Sergio el lugar principal a la hora de los solos y el local se ganó sus propios aplausos. Y el cierre fue con Vapors of Morphine todavía cuarteto y “You look like rain”.
Tal vez porque querían despedirse en formato trío. Tal vez porque les caemos hermoso. Tal vez porque tenían hambre y querían compartirlo. La cosa es que regresaron al escenario y nos dejaron a todos pidiendo “French fries with pepper” a los gritos, mientras el teatro había perdido su forma y los pasillos eran un amontonamiento de gente despidiendo a los músicos.
Alguna vez fue Twinemen con Laurie Sargent, que aun citando al comic de Sandman desde su nombre, proponía otros caminos paralelos a Morphine. Ahora pareciera ser cuestión de recoger la estela y mientras los vapores se disipan construir un nuevo camino. Vapors of Morphine evoca a Sandman, y hasta por momentos lo invoca. Pero si hubo algo que yo percibí en esta visita es que la banda adquiere con paciencia y cuidado, su propia identidad. Mark Sandman ya mostró el futuro, será cuestión de construirle un presente que lo justifique.






miércoles, 8 de octubre de 2014

Damon Albarn en el Teatro Gran Rex

Menos de un año había pasado del show de Blur en Villa Lugano. Un concierto en tono de reencuentro (entre ellos y con su público) y que estuvo plagado de hits, celebración y euforia. Aquella vez Damon Albarn acompañado por sus compañeros de banda nos regaló todo lo que esperábamos en un ambiente festivalero y masivo. Pero si hay alguien en el mundo de la música cuyos pasos son imprevisibles, ese es Damon Albarn. Y entonces este rápido regreso al país lo trajo con un primer trabajo firmado como solista y signado por el intimismo y la reflexión.
Yo llegué al Gran Rex con tiempo suficiente como para ver el final de Barco, los teloneros locales. Pop muy trabajado, un bajo de esos que te hacen mover el piecito aún a los menos dóciles con el baile y un tema, “Antes del desmayo”, que es un hit inmediato con claro anclaje en el mejor pop de los '80. Podría nombrar referencias, pero mejor escúchenlo y descúbranlas ustedes. Excelente elección para amenizar la espera.
Bueno, empecé diciendo que el espíritu con el que Albarn llegaba era diferente al de Blur y por algunos gritos eufóricos que saludaron su ingreso al escenario, estuvo claro que resultaría un desafío poner a la gente en el clima pretendido. Desafío que en definitiva fue alcanzado con sencillez. Primero Damon con recordó lo útil que puede ser la tecnología para acercar personas cuando la distancia es un escollo insalvable con “Lonely press play”, y de inmediato nos alertó sobre las consecuencias de la dependencia exagerada de la misma, con “Everyday robots”. Bien, si el artista expone esas contradicciones, por qué pedirle coherencia a un público que mientras escucha “We are everyday robots on our phones”.....graba todo con sus teléfonos celulares? Mi posición alta en la pullman me permitió advertir mejor que nunca esta escena.
Tecnología y mundo virtual. Qué mejor entonces que Gorillaz para el continuado. “Tomorrow comes today” fue recibida con la primera gran ovación, y siguió “Slow country”. En ese tramo del show el setlists estuvo dedicado a los innumerables proyectos paralelos de Albarn. Además de Gorillaz se citó a The Good, The Bad and The Queen con “Three changes” y hasta Rocket Juice and The Moon con “Poison” (un tema que no había tocado el lunes previo, y que se amoldó con facilidad al tomo de “Everyday robots”). En medio se intercaló “Hostiles” y “Photographs (you are talking now)” y ese tramo se coronó con una gran versión de “Kingdom of Doom”, cuyo cierre alcanzó un gran clima guiado por un piano marcado, tocado casi con furia mientras las guitarras construian un crescendo sonoro.
Si bien Damon se mostró comunicativo y atento (mojó a la platea con su botellita de agua, palmeó manos cada vez que se acrecó al borde del escenario, al que recorrió de punta a punta cada vez que no se sentó al piano), el tono de las canciones hizo que el show fuese recibido con más atención que participación. La escenografía fue sencilla y el escenario (y su piano) estaban coronados por una estrella de siete puntas, que sirvió para sumar algo de simbolismo místico a la puesta. La banda tuvo al bajista Seye en el pico de la simpatía y funcionó a la perfección para que los arreglos en vivo, que buscan escapar del extremo intimista del disco y mostrar fortalecidas a las canciones, luzcan en todos su detalles. En ese punto el tándem “You and me” y “Hollow ponds” (magnífica irrupción de una trompeta sumándose a tanto recuerdo melancólico) fueron lo más destacado.
Hacia el tramo final se sumó un coro que fortaleció vocalmente a “El mañana” y “Don't get lost in heaven” de Gorillaz. Después Damon tomó una acústica, se sentó sobre la caja del piano y cantó “The history of a cheating heart”. Si bien se trató de un momento delicado, de auténtica intimidad, y si bien eso de “the history of my life will show it's more than you know” es hermoso, aquí yo tengo una queja: el setlist indicaba que allí iba “Out of time”, tal cual tocó el día lunes. Y la primera función que se puso a la venta fue la del día 7, y entonces en esa fecha estaba el público más atento a las novedades, el más fiel, el que pagó primero y por lo tanto el que no merecía que fueran los rezagados del lunes los PRIVILEGIADOS en escuchar el clásico de “Think tank”. Después sí estuvo “All your life”, una lado B que nos trajo a Blur en versión gopel y la súplica final reclamando por alguien que asegure que todo estará bien. Como si esas pinturas de la sociedad moderna que signan a “Everyday robots” provocaran más incertidumbres que certezas y las miradas se dirigieran a un cielo improbable, el círculo se cierró con cierto dejo de ironía.
Para los bises sí tuvimos a Blur como se debe y “End of the century” cumplió ese papel. Sin embargo lo mejor estaría por venir. Se sumó el rapero africano M.anifest para una versión gloriosa de “Clint Eastwood” que no solo puso al teatro de pie por primera vez en la noche, sino que nos sacudió de la quietud expectante en la que nos había dejado el concierto. Y para el final volvió el coro y “Mr. Tembo”, una canción que en el disco suena algo desubicada, como sobrante de proyectos como DRC Music o incluso una intromisión de David Byrne en el espíritu de Damon Albarn, en el contexto del show lució resignificada. Climax absoluto de la noche y casi que pudo haber cerrado el concierto sino fuera porque ese honor le corresponde, como a lo largo de toda la gira, a “Heavy seas of love”.
En mi caso la ausencia de vianda en casa y el horario relativamente temprano que había terminado el show, me habían motivado a hacer una excepción a ms costumbres y cerrar la noche en una hamburguesería. Pero resultó que unos tal R5 había tocado en el teatro de enfrente, y el McDonalds estaba copado por adolescentes con vinchita, de esas que aterrorizan a Gelblung y a Feinmann, mientras sus padres cortaban Corrientes con sus autos estacionados en doble y hasta triple fila. Así que decidí huir de ese pandemonium teenager y me fui a buscar unas empanadas cerca de casa. Durante el viaje pensé en Damon Albarn alertando a esas adolescentes acerca del uso excesivo del celular. No creo que tenga éxito, pero por el solo hecho de haberme privado de “Out of time”, merece someterse a la experiencia.


domingo, 28 de septiembre de 2014

Richard Coleman en el Teatro opera

                Si bien el show de Richard Coleman en el Opera estaba programado desde unos meses antes, el mediodía del 4 de Septiembre le cambió el signo por completo. La muerte de Gustavo Cerati llevó a que todos, artista y público, concurramos al Opera bajo un espíritu diferente al que lo hubiésemos hecho en otras condiciones. Encima durante el día la noticia de la muerte del negro Garcia Lopez. Y Chaban (polémicas al margen, nombre ineludible en la movida cultural que nos moldeó en lo que hoy somos) que otra vez tambalea. Una serie de noticias como trompadas cuyo efecto podría ser demoledor si el instinto no nos guiase, como un boxeador acorralado, a la tozudez de seguir hacia adelante. Más música, más reuniones, más celebraciones del arte y la vida. Y si había alguna duda de si este espíritu era el mismo que a Richard Coleman le interesaba invocar para su gran noche en la calle Corrientes, el programa oficial que contaba de sus inicios como oyente, plomo, y como músico “a pulmón”  terminaba así “Esta noche mi amigo está en la platea más alta. Creo que estamos todos. Gracias por venir”. No había manera de no arrancar sin morderse los labios.
                Tal vez resulte injusto arrancar la crónica con esta descripción de sentimientos para un artista que después de treinta años de carrera se encuentra en una inédita espiral creciente de popularidad (a los Massacre, el otro ejemplo similar, les llevó algo menos), porque no hay dudas que su etapa solista con dos discos menos oscuros (“Siberia Country Club”, pero especialmente “Incandescente”) y una inspiración de altísimo vuelo a la hora de la composición le abrieron el merecido camino. Pero así se dieron las cosas, y como si a esa dualidad (masivo/culto, oscuridad/luz) fuese necesario invocarla en la noche, Richard abrió el show con su versión de la desgarradora confesión deNeil Young en  “Down by the river”.
                La puesta fue sobria. El escenario gigante fue ocupado apenas por los músicos y unas tarimas elevadas en donde Leandro Fresco en teclados y un cuarteto de cuerdas, subieron para ponerle color  a “Incandescente”, una de las mejores canciones de amor en tono nostálgico que se hayan compuesto por acá.  La banda, que ya tiene bastante tiempo tocando junta, suena ajustada. Y con el correr del show sabrá apretar los dientes y destilar delicadeza en los casos que cada una corresponda. Bodie Datino en teclados es el lugarteniente perfecto. La base de Daniel Castro y Diego Cariola, y la guitarra de Gonzalo Cordoba, son el resto de los músicos sobre los cuales se apoyan Richard Coleman y su  voz en excelente estado, para dar lo mejor de sí a lo largo de la noche.  
                En el primer tramo del show “Incandescente” acaparó la lista. “Lo que nos une” (“una risa más, una anécdota, y cosas que no llegaron a pasar”, imposible no pensar en Gustavo), “Perfecto amor” y “Corre la voz”. A Coleman se lo notó de buen humor, y aunque sin la extensión de los shows íntimos que dio en Ultra Bar, también con ganas de hablar. “Este es el Coleman bueno”, nos recuerda en un momento, como para que tengamos presente que no siempre fue, ni será, todo tan agradable. Y después de “Normal”, (en Siberia toca Cerati. Gustavo, siempre Gustavo), una sorpresa: la TREMENDA versión de “Computer world” de Kraftwerk.
                Había que dosificar los climas. “Caravana”, el tema de “Ahí Vamos” sirvió para la primera emoción de la noche. “Gus está viendo el show, así que voy a tocar bien y a decir estupideces” nos dice Richard al final, aunque bien uno podría pensar que se lo está diciendo a sí mismo. “To bring you my love” de P.J. Harvey fue otro de los covers de ayer. Ese nacer en el desierto, esa tristeza de años, y la odisea de atravesar infiernos mares y montañas, para entregar su amor. Cambien amor por música, y bien podría ser una parábola de la carrera de Richard. Y el momento de mayor emotividad se consumó cuando después de una versión acústica de “Azulado”, con Coleman solo sobre un escenario apenas iluminado, la gente comenzó a aplaudir, mezcla de devoción y respecto, y alguien gritó por Gustavo. Entonces Richard también aplaudió y mirando al cielo, estuvo a punto de quebrarse.  “Qué haremos con tantos temores, con tantas dudas” arranca el “Hamacándote” con el que continuó el concierto. No sé si fue pensado, pero no había mejor manera de describir lo que pasaba adentro del Opera.
                Después de una versión electroacústica de “Heroes”, llegó otro invitado: Alejandro Lerner, encargado del hipnótico y seductor teclado de “Cuestión de tiempo”.  Y un viaje al pasado que los fans más fieles y cuarentones todavía estamos agradeciendo: Fricción (“A veces llamo”), Los Siete Delfines (“Never du nozin”), otra vez Fricción (“Durante la demolición) y “Es tan celosa” como para encaminar el show hacia el arrollador cierre que nos tenía preparado: “Como la música lenta”  y “Fuego” con Daland de La Armada Cósmica como último invitado.
                Para el tiempo de regresar al escenario,  el aura de Gustavo que durante varios momentos había sobrevolado el show, se había dispersado. O mejor dicho, se había hecho a un lado para dejar fluir a Richard Coleman en su mejor versión. Hubo dos temas más, “Momentos de cambio” y “Turbio elixir” para cerrar una noche de consagración tan tardía como merecida. “Acá hay gente que me ha salvado la vida” había dicho Coleman una hora y pico antes, cuando el espíritu de pub lo había asaltado en medio de una noche masiva. Y aunque en el tamaño del teatro tal vez se haya dificultado el reconocerse, muchos pudimos haber dicho lo mismo. Por lo menos, y especialmente, del artista que abrazado a sus músicos saludaba despidiéndose. Porque en definitiva,  de eso se trata la música. De los hechizos que nos permiten estar aquí aunque el cuerpo siga allí. De amores perfectos. De recuerdos incandescente. De salvar vidas  siendo héroes, por al menos una puta vez.

               




lunes, 25 de agosto de 2014

Spiritualized en el Teatro Vorterix

A veces sucede que en el fin de semana se juntan un montón de cosas. En este en particular, en términos musicales, tenía todo cubierto. Sold Out. El sábado los veinte años de Catupecu Machu en el Luna Park. Y ayer, el regreso de Spiritualized en el Teatro Vorterix. Quienes estuvimos en Octubre de 2008 en La Trastienda, guardamos en la memoria a aquella noche de Jason Pierce como una función inolvidable. Y si bien aquel show incluyó bises, yo me quedé con la explosión de electricidad y psicodelia de “Take me to the other side”, como última imagen. Así que pensar este regreso de Spiritualized en una versión acústica, casi que resultaba la contracara perfecta y complementaria de aquella noche.
El formato acústico no es caprichoso y tiene un motivo: Jason Pierce y su salud. En aquella primera visita llegaba cantándole a las salas de “ambulaces and emergency” luego de la internación, con dos paros cardíacos incluidos, a causa de sus pulmones. Y una dolencia hepática crónica fue lo que llevó a Jason a pensar que jamás podría volver a estar parado sobre un escenario y a cranear esta versión desenchufada de Spiritualized.
Con el Vorterix expectante, muy concurrido (no a reventar como otros conciertos a los que fui a ese teatro) el concierto tuvo un arranque fallido. O un “no arranque” como diría un tristemente célebre personaje. Las luces se apagaron, por debajo del telón se vieron algunas pies que caminaban, y de pronto volvieron las luces y la música del DJ. Diez minutos después sí largó el show, casi en paralelo con los SMS que me informaban de los goles de Teo y Carlitos Sanchez, situación que me dispuso aún mejor para el cocierto que se venía.
Abrieron el show con “Sitting on fire” y enseguida le pegaron “Lord let it rain on me”. Jason Pierce sentado con una acústica del lado derecho del escenario, sus lentes oscuros de siempre, y un atril delante suyo. Del otro lado un piano Rhodes, y en el fondo un coro de cuatro voces femeninas más un cuarteto de cuerdas. Tenues luces azules eran el complemento perfecto para ambientar el show. Íntimo, cálido, confesional. Es probable que estas palabras resulten repetidas, pero no hay mejores. Delicado por donde se lo mire. “True love will find you in the end”, esa belleza de Daniel Johnston que Pierce nos regaló anoche, casi que podría sonar eternamente en ese clima.
Fiel a su costumbre, no hubo más que silencios y afinaciones entre tema y tema. Jason Pierce parecía tan absorto como el público. Apenas unos tibios aplausos se sumaron para el coro de “Soul on fire”, pero nadie se animó a quebrar el clima. Y en la continuidad de canciones, esta versión reducida de Spiritualized citó a Spacemen3 con “Walking with Jesus” y cada canción funcionó como una caricia. “Feel so sad”, “Stop your crying”, “Anthing more”...el concierto resultó una sucesión de plegarias y gratitudes, dichas y tristezas, súplicas, amores y desamores. Todo ambientado por el extraordinario estado de la garganta de Pierce, un piano sugestivo, cuerdas deliciosas y un coro de impronta gospel que reforzó el feeling en cada canción.
Si se trataba de graficar con música el estado en que nos encontrábamos en el teatro, tal vez “Ladies and gentelmen we are floating in space” podría ser la expresión más precisa, y cuando hacia el final se cita al “(I can't help) falling in love with you”, la reacción de todos es tan conmovedora, que hasta el abstraído Pierce dedicó un saludo. Y todo era dejarse llevar y conmoverse. Abrazos y caricias. El lamento de la armónica en “Broken heart” estremece. Y el final con “Lord can you hear me” resume a la perfección la impronta del concierto. Porque a pesar de que el tema fue publicado en el '89, parece compuesto pensando para ese formato que gozamos anoche, en el cual el coro se lució como nunca.
Había más y la prueba fue que ni el coro ni el cuarteto de cuerdas se movieron de su sitio. Y entre tantas otras cosas que rondan el mundo Spiritualized, había un disco nuevo. O un último disco, mejor dicho, porque “Sweet heart, sweet light” data ya de 2012. Y es un gran disco, por muchas motivos, pero principalmente porque Jason Pierce nunca hace discos malos. Y entonces con “Too late” dio comienzo el tramo definitivo del show. “Love always shows when theres hearts that can break “ canta Pierce y como una contracara, un antídoto o una afirmación liberadora, como si la reincidencia resultara inevitable, “I think I'm in love” sacude y despabila. El coro replica en español a Pierce y en términos rítmicos, se consumó el momento más alto de la noche.
Jason Pierce no habla. Apenas si saluda agitando su mano, como despidiendo un tren desde un anden. Pero es educado y tiene canción de despedida. Y esa es “Goodnight goodnight”, por cierto algo lúgrube, pero que funciona. Y uno a esa hora no sabe si subirse a abrazarlo, consolarlo o bendecirlo. Yo ya había recibido el SMS con la noticia del cuarto gol de Teo y a esa altura estaba bajo una sensación intermedia entre la hipnosis y el éxtasis dificil de explicar. Si una noche antes Catupecu Machu me había hecho pisar sin el suelo a pura energía, ayer también me fui en el aire. Pero en este caso no resultó de un salto, sino de una elevación en el sentido más espiritual de la palabra.

domingo, 24 de agosto de 2014

Catupecu Machu en el Luna Park - El grito después

            Con Catupecu Machu me une una relación bastante especial. Por el origen casi amateur en recitales colegiales de un Industrial de Floresta compartido en los ‘80, y además porque fue la primera banda de rock con la que compartí gustos (y recitales) con mi hija. Y para los seguidores de este blog no será difícil chequear es que es una de las que mayor cantidad de post merecieron. Así que el festejo de los veinte años era una celebración a la que no podía faltar. Como tampoco hacer un repaso desde aquel bajo machacante de “Calavera deforme” hasta este “El grito después”, un combo que incluye documental, un Box Set, que tuvo su propia exposición gráfica en el Centro Cultural Recoleta, y que en cuanto al tema adelanto en sí, refuerza el sonido que Catupecu viene proponiendo desde “Simetría de Moebius” y “El mezcal y la cobra”. Una banda que estalló con “Y lo que quiero es lo que pises sin el suelo”, que sorprendió rupturista con “Cuadros dentro de cuadros” y que luego del accidente de Gabriel Ruiz Diaz, sobrevivió a fuerza de una prepotencia, constancia y fortaleza admirables. Que se volvió un tanto mística, bastante más oscura, y que fortaleció el rol de Macabre, quien desde los teclados, se convirtió en el soporte musical en el que Fernando Ruiz Diaz decidió apoyarse desde 2006.
            Anoche, durante casi cuatro horas de show, por primera vez en veinte años, Catupecu Machu miró hacia atrás. Con motivos más que justificados, pero con la misma actitud nada complaciente que los caracteriza. La misma que los llevó a cambiar en cada  álbum, a experimentar, a los acústicos en teatros, a noches íntimas de música y gastronomía en San Telmo, a congregaciones casi sanadoras, como aquel show en Obras a semanas del accidente de Gabriel. Y digo que miraron hacia atrás porque desanduvieron su carrera abriendo su show aniversario con “El grito después”, su reciente estreno, y armaron una fiesta de cumpleaños repleta de amigos y compañeros de ruta, con un setlist en el que tuvieron una inusual preponderancia “Dale!”, su disco debut de 1997, y “Cuentos decapitados” (2000).
            El concierto podría dividirse en dos grandes tramos. El primero amagó a ser un concierto típico del Catupecu Machu de hoy, apenas con una elección más abarcativa de las canciones. “Secretos pasadizos”, “Confusión”, “Eso espero” fueron los calentaron el ambiente hasta que con “Óxido en el aire” apareció la versión más “industrial” de Catupecu, que tuvo continuidad es “Dialecto”, “Origen extremo” y “Muéstrame los dientes”. Con una escenografía formidable y grandilocuente para el general de la banda, que incluyó unos triángulos gigantes en las espaldas del escenario, y una puesta lumínica impactante, con flashes, lasers y haces de luz por doquier. En ese contexto, la banda apenas bajó un cambio para “Cuadros dentro de cuadros” y la primera de los innumerables mantras para Gabriel Ruiz Diaz, en este caso sumando a Gustavo Cerati, con la cita ya clásica a “Persiana americana”, y cerró ese tramo con “Metropolis nueva”.

            Un pasaje instrumental de pura adrenalina fue lo que sirvió como para dar vuelta la página y pasar de un show aniversario a una auténtica fiesta repleta de invitados. “Cuentos decapitados” volvió a la lista después de años, y después, como para que quede claro que aún en plan revisionista Catupecu nunca deja de mirar hacia adelante, Fernando Ruiz Diaz quedó solo en el escenario y con un Hang, estrenó un nuevo tema que habla de “el infinito, la creación y el amor”. “Vamos a seguir haciendo lo que se nos canta el orto” había afirmado Fernando al inicio de “Cuentos…” y lo confirmó incluyendo en medio de su fiesta ese pasaje mínimo, íntimo y conmovedor, que tal vez haya mostrado como nunca el impacto que la paternidad tuvo en su arte.
            Después sí vino la fiesta y la sucesión de invitados. Hubo de todo, algunos previsibles, muchos compañeros de ruta, algunas sorpresas y hasta justicieros homenajes. Laura y Mariano Manzella le pusieron flamenco a “La llama”. Pasó “Viaje del miedo”, y una noche Abril Sosa volvió a Catupecu a cantar “Entero o a pedazos” (con citas a “El sueño” y “Los tres deseos” también) y a confirmar tácitamente que cuando Fernando se refirió a “un único invitado que no quiso venir”, hablaba de Javier Herrlein. “Vistiendo”, aquel tema de “Cuentos decapitados” que cantaba Gabriel, encontró en la trompeta de Gillespie detalles más que delicados y terminaron con “Hay casi un metro de agua”. El Zorrito Von Quintiero subió para “Perfectos cromosomas” y sorprendieron a todos con una cita a “Es todo lo que tengo” de Lisandro Aristimuño. Y la sorpresa se completó con el propio Lisandro subiendo al escenario, con el que hicieron una potente versión de “Para vestirte hoy”, tema que Fernando, confesó, le canta a su hija Lila.
            Entre las entradas y salidas de músicos y amigos, el concierto se volvió algo desprolijo y anárquico, pero a nadie le importó. Entre los invitados previsibles estuvieron el primer baterista de la banda, Mariano Baraj (“Mil voces finas”), y Pichu Serniotti (“Acaba el fin”). Los integrantes de Sick Porky y Connor Questa se sumaron para una tremenda versión de “El mezcal y la cobra”, y para demostrar que Catupecu sigue mirando y apostando al futuro, no solo propio, sino también ajeno. A Walas y al Doctor Mondello casi que no hubo ni que presentarlos, y “Plan B (anhelo de satisfacción)” es otro de los mantras de energía masiva para con Gabriel.
            Fernando, como siempre, habló mucho. Y esta vez no solo recordó tramos y anécdotas de su carrera como músico, sino que además le hizo lugar a su condición de espectador. Recordó mucho los ’80, los tugurios y la explosión artística que dio lugar a innumerables proyectos artísticos durante la primavera democrática. Sumo, Fricción, Los Casanova, fueron nombres que se dijeron sobre el escenario y que a más de un veinteañero le habrán resultado una extrañeza. Por ese motivo hacer subir a Isabel de Sebastián a cantar “Héroes anónimos”, y reunir a los dos ex- Clap, Diego Frenkel y Sebastián Schachtel para “A veces vuelvo” resultó un acto de justicia.
            Hacia el final lo único que sobraba era energía. Algunos (los menos) miraban el reloj y se tomaban el palo, vaya a saber por qué motivo. Otros seguíamos atentos y saludábamos a Gaby Martinez de Las Pelotas, que se calzó el bajo para “Magia veneno”. Y después con Leo De Cecco revivieron “Elevador” mientras la voz sampleada de Gabriel gritaba para que le abran la puerta. Tery Langer de Carajo y Zeta Bosio fueron los que se sumaron en un interminable “Dale!”. En el medio Macabre tomó el micrófono para “Blietzkrieg bop”, y entre los respiros, los saltos, las rondas de pogo,  los gritos para Gustavo y Gabriel, pero que también eran para darnos ánimo a nosotros, decirnos que falta poco y que había que dejar lo que quedaba allí dentro, Catupecu Machu terminó “Dale!” con Agustín Rocino y un salto enorme para lanzarse hacia el público.
            Después de tanto subir y bajar de artistas. Después de tanto repaso, emoción, reencuentro y descarga de energía, el nombre de Luis Alberto Spinetta casi que era el único que faltaba citar del universo habitual de Catpecu Machu. Entonces, como esta vez no hubo “Seguir viviendo sin tu amor”, Fernando lo recordó como “el hombre que pisó sin el suelo” como excusa para preanunciar un final tan previsible como esperado. Y mientras sobre el escenario cuatro suenan como veinte, la banda que invita a elevarse demuestra una vez más que no solo no pisa sin el suelo, sino que además vuela sin techo. A esa hora, mientras el frente frío empezaba a terminar con el mini veranito de Agosto, no quedaba otra cosa por decir que: Salud Catupecu, por veinte años más!









domingo, 17 de agosto de 2014

El Asunto en Cafe Vinilo

                Anoche era un día de estrenos. O mejor dicho, para mí era un día de estreno, así, en singular. Pero sucedió algo inesperado, cuando en una heladería en la esquina de Corrientes y Billinghurst descubrí que existe el helado de Pico Dulce. Una revelación, una utopía consumada que me dejó bien a punto y con el ánimo más en alto que nunca para el otro estreno, al que sí estaba programado, y que se trataba del debut de El Asunto en el Café Vinilo.  Minutos antes, en una  célebre taberna de picadas de Almagro, una octogenaria que debió llamar al SAME en medio de la cena, celebraba el éxito en la medición de su presión arterial con….una tabla rebosante de salames y quesos (!!!). Bizarra escena que bien pudo ser una toma descartada de “La Nona” y que yo no podía pasar por alto en este posteo.  
                Bien, este blog habla de música así que vuelvo  a lo que de verdad importa. El Asunto se trata de la reunión de cinco voces femeninas, compositoras todas, que han sabido ponerle música a estos primeros años del siglo XXI. Con diferentes historias, estilos y recorridos, pero con una vocación común por la melodía cuidada y la delicadeza vocal. Laura Ciuffo de Hamacas al Rio, Sol Fernandez de Enero será Mío, Eloísa Lopez, Paula Meijide y Carolina Pacheco y su Señorita Carolina, decidieron reunirse en un proyecto común que funciona paralelo a su actividad, pero que ayer, puesto a prueba sobre un escenario, mostró argumentos como para dejar en claro que la propuesta vale  para tener  vuelo y recorrido propio.
                La gacetilla prometía canciones “apenas intervenidas por elementos armónicos y electrónicos” y entonces uno estaba preparado de antemano para un concierto en donde la preponderancia estaría puesta en lo vocal. La curiosidad estaba entonces en cómo la suma de composiciones consumarían una unidad que le otorgue al proyecto una identidad propia y que no lo limite a una suma de “individualidades”, como diría Macaya. Y ya en la apertura con “Savasana” de Carolina, el funcionamiento empezó quedar claro. Arreglos cuidados, clima intimista, y una paleta de sonidos tenues que se modelan con la contraposición de colores que expone el tema. De allí en más cada compositora aportará dos canciones que parecieran fundirse en un crisol y que renacen guiadas por un hilo invisible que las enhebra y les da nueva identidad.
El conjunto resulta  una reunión de amigas. El nombre del proyecto remite a lo que no se puede decir, al secreto, a una especie de pacto de lo que se evita nombrar. Y en ese contexto la voz sutil, el low fi y la intimidad pareciera encontrar su mejor y lógico ambiente para expresarse. El nerviosismo confesado por Carolina en el comienzo no se notó, y en gran parte se debió al clima desestructurado que se vivió en el escenario. Comentarios entre ellas y algún chiste interno, le otorgaron al show la forma de un ensayo con público. Pero cuidado, no confundir. Porque a la hora de las canciones, cada arreglo, cada detalle minucioso, dejó en claro que estábamos ante la concreción de un proyecto maduro y trabajado.
Decía que cada una de las integrantes aporta dos canciones que, si bien fueron presentadas informando la autoría, ninguna pareció reclamar propiedad alguna. En ese sentido, el desprendimiento suma siempre y no resta nunca. Además de “Savasana”, “Luna nueva” de Paula Meijide, “Decanta” de Enero será Mío, “Abrázame” de Eloisa y “Sin decir” de Hamacas al Rio formaron parte de la primera mitad. Por sus características originales, tal vez las canciones más “desarropadas” resultan las  Eloisa y las de Sol, pero sorprendió el renacer la pegadiza melodía de “Sin decir” sobre apenas un base programada.
La segunda mitad funcionó de la misma manera. Y si bien en el ambiente se respiraba un clima más femenino que feminista, la fortaleza retratada en  “Tractor” de Señorita Carolina, introdujo en la noche la temática de la violencia de género y los femicidios. En resto de los casos (en especial en los temas de Sol y de Eloisa) las letras resultan pinturas surrealistas, o breves retazos de momentos íntimos u oníricos. Paula aporta “Hécate” en la que refiere a la Diosa de la Oscuridad y con ello una dosis de misticismo. “Un nuevo amor” de Hamacas abandona su lado bolerístico y se muestra a gusto en esa fineza vocal que la reviste.  Y para el final quedó “Espiral”, el tema que abría “Por un paisaje”, el disco de Eloisa de 2009 y que resulta una paradoja, porque el “no voy a esperar más” contrasta con la paciencia, la construcción  minuciosa, y la serenidad con las que El Asunto aborda el desafío de presentar sus canciones.
Sin negarse al pedido y sabiendo que no había más temas trabajados, esta vez la despedida fue un auténtico bis. Y como si ese vértice  de energías coincidentes guiara a su aportantes por el camino apacible que las define, la elección de “Luna nueva” resultó más que lógica. Los ciclos, el ritmo natural, la cadencia de la marea y su influjo en los ánimos dibujo un cierre ideal para la noche de presentación en público de El Asunto. Ya hay dos fechas más definidas, y el tiempo será el encargado de determinar hasta donde este remontar hermoso que presenciamos anoche, consigue tomar vuelo.






sábado, 9 de agosto de 2014

Vero Verdier y Lucho Cervi en el C.C. de la Cooperación

            Este viernes ofrecía una buena cantidad de opciones musicales. Entre ellas, la presentación de “Remolino”, el extraordinario segundo disco de Acorazado Potemkin. Yo no llegaba por horario, y la verdad es que fue una lástima, porque el evento que motiva este posteo era ahí nomás y a continuación, así que hacer el doblete hubiese resultado formidable. Eso sí, de salir más temprano de casa me hubiese perdido del show que dio un loquito vagabundo que se subió al 26 mientras iba para el centro y, a cambio de unas monedas, se despachó con unos cuantos covers a capella de Guns'n Roses en versón Capusotteana, que incluyeron, en el caso de “Don't cry”, hasta traducción simutánea de la letra. La simpatía maravillosa que solo pueden provocar los locos, y si el pibe no oliera todo lo mal que olía, se compraba el colectivo conpleto. Como despedida unos pibes del fondo le pidieron una de Soda, y el loco reveló que en su vida cuerda (o no tanto) resultó un melómano hecho y derecho, pues nos cantó la nada condescendiente “Ella usó mi cabeza como un revolver”. En Primera Junta lo invitaron a bajar, porque los pasajeros se amuchaban adelante; ya sea porque querían apreciar su desafinado canto a una resptable distancia, o directamente porque no querían olerlo. Lástima, era divertido y yo elegí imaginar que no se bañaba porque había hecho una promesa hasta que se despierte Gustavo Cerati. O Axl Rose baje de peso, vaya uno a saber.
            Bien, volviendo al tema que nos ocupa (??), en la sala Osvaldo Pugliese del Centro Cultural de la Cooperación, a medianoche cantaban Vero Verdier y Lucho Cervi, presentando “Pink moon”. Que un espectáculo que promete canciones sin otra pretensíón que ofrecerlas en una versión despojada, elija ese  nombre para presentarse, ya de por sí es un excelente augurio. En mi caso además se sumaba la profunda necesidad de escuchar cantar a Verónica Verdier, porque aún no pude superar el síndrome de abstinencia de Proyecto Verona (?'??). Y además se sumaba la presencia de Lucho Cervi (ex-Auge, hoy solista con una interminable lista de presentaciones compartidas que incluyen, entre tantos, también a PV) en guitarra, con lo cual la noche venía completita.
            Además del hermoso nombre con el que la bautizaron, la sala del Cooperación es perfecta para este tipo de propuestas. Sillas y mesitas rodeando un escenario que en relación con la sala, es muy amplio. Es esa forma la que permite construir ese ámbito de intimidad que un recital así requiere. En mi caso, un café que despabile (era medianoche, había laburado todo el día y los años no vienen solos) y a disfrutar. Y vaya si me recibieron bien, tanto que ya el primer tema fue “Vértigo”,  de Proyecto Verona. Tanto Vero como Lucho salieron con lentes oscuros (después Vero aduciría un problema ocular, y explicaría el otro par de lentes en la solidaridad de Lucho) y tocaron toda la primera parte con dos guitarras acústicas, algo que me provocó intriga, porque el despliegue del escenario ofrecía además un teclado, un bajo y una elemental batería. Enseguida con “Mrs. Robinson” el concierto sí tomó el rumbo que prometía: folk de los '60 y '70, más ese mismo espíritu replicado en décadas posteriores. Bienvenida entonces la canción, esa que sumadas a las imagenes de la película, me llevaron a tener alguna vez la primera y elemental noción del concepto de MILF.
            Esa primera parte exclusivamente con guitarras incluyó  versiones de “Something stupid”, “Cruzando puertas” de Draco Rosa, “Tu voz bipolar” (Vero habló de ella como la primera y única canción que compuso en guitarra y para mí fue un regalo; “Caravana” quedó inamovible en mi Ipod desde el mismo día de su edición), y una de Corinne Bailey Rae que cuando dice “go, put your records on, tell me your favourite song” bien podría resumir el espíritu del encuentro musical al que asistíamos. Además Vero Verdier alcanza, a mi gusto, la más destacada performance vocal de la trasnoche del viernes. “Tiny dancer” y “California”, rescatando la etapa folk de Joni Mitchell, cerraron esa primera parte.
            Cuando uno relata o comenta shows como este corre dos riesgos: el primero, limitarse a nombrar una sucesión de canciones, lo cual, con su solo encadenamiento, es capaz de reconstruir una noción patente del clima que se creó a partir de ellas. El segundo riesgo es extenderse en cada canción, porque su historia, la manera en que uno la conoció, el sginificado y sentimiento particular que despierta en cada uno, provoca innumerables caminos posibles. Así que para la segunda parte del show, voy a ser más resumido. “Like star”, la luminosa y dulce melodía de Corinne Bailey Rae abrió ese segmento, ya con Vero Verdier sentada el teclado. A partir de allí el clima tomó un ritmo más marcado que terminó por consumarse cuando un baterista invitado le marcó el pulso a “Fixing a hole”. “Be bop”, ese tema jazzeado que abría “Encendida” cerró la lista de citas a Proyecto Verona, ya con Lucho Cervi tocando el bajo.
            Hacia el final fueron y volvieron en el tiempo. “Easy” de los Commodores, “You send me flying”, rescatando a la Amy Winehouse más jazzera, y por supuesto “Pink moon”, leit motiv de la cita. Confieso que yo ya me daba por satisfecho, pero unos aplausos tibios, mínimos, como cuidando de que un bullicio repentino no quiebre el clima encantador que nos había impregnado durante ago más de un ahora, consiguieron que Lucho y Vero regresen para despedirse con un par de regalos más: “Más y más”, del Draco más masivo, y “Valerie” de The Zutons, aunque abordada desde el mismo lugar con el que la versionaron Amy Winehouse y Mark Ronson.

            Si mi viaje de ida al centro había incluido a un lunático imitador de Axl Rose, el regreso estuvo acompañado por un taxista que no paró de murmurar todo el viaje. Como un rumiante, su boca se movía y despedía sonidos ininteligibles, que en la mente del conductor seguro se consumaban en palabras e ideas, vaya a saber acerca de qué dilema. O tal vez, a su tímida manera, él también volvía cantando.